de Álvares
de Azevedo
Alguns
jovens embriagados contam histórias macabras de paixão, morte, crime, perversão
sexual e violência, num clima de sonho e delírio. Ao final dessas narrativas,
uma das figuras, que parecia não passar de fantasia criada pela embriaguez dos
personagens, invade o espaço da taverna e provoca um desenlace sangrento,
surpreendendo o leitor.
116 páginas
13,80 X 20,80 cm
ISBN: 85-16-03976-5
13,80 X 20,80 cm
ISBN: 85-16-03976-5
Álvares de Azevedo
Álvares de Azevedo nasceu em São Paulo, em 1831, e morreu no Rio de
Janeiro, em 1852. É o melhor representante da poesia ultra-romântica
brasileira. Estudou na faculdade de Direito do Largo São Francisco, no centro
de São Paulo. Foi um aluno brilhante e, durante os anos de estudo, leu e
escreveu muito, produzindo praticamente toda sua obra literária, que teve
publicação póstuma.
LITERATURA
Lira
dos Vinte Anos
Exemplo maior do
ultra-romantismo brasileiro, o poeta Álvares de Azevedo assimilou as
influências de Lord Byron e Alfred de Musset
Busto
de Álvares de Azevedo em frente à Faculdade de Direito do Largo São
Francisco,onde desde cedo ganhou fama por brilhantes e precoces produções
literárias
A obra e a figura de Álvares de
Azevedo (1826-1864) ficaram na história da literatura brasileira como exemplo
mais bem-acabado do chamado Ultra-Romantismo. Em seu livro Lira dos Vinte Anos,
reunião de poemas publicados postumamente (como, aliás, toda sua obra o foi) em
1853, encontra-se a produção mais extraordinária do seu grupo no Brasil.
Nos anos de 1840 e 1850, a influência do inglês Lord Byron e do francês Alfred de Musset foi decisiva para uma geração de poetas me todo o mundo. Temas como a morte, o tédio da vida, os amores inatingíveis (fruto de devaneios), a melancolia profunda, erotismo e auto-ironia marcam autores que morrem muito cedo. Além do paulista Álvares de Azevedo, Casimiro de Abreu (1839-1860), Junqueira Freire (1832-1855) e Laurindo Rabelo (1826-1864) faziam parte dos ultra-românticos, também conhecidos como poetas do "mal-do-século", do byronismo.
No prefácio da primeira parte de Lira dos Vinte Anos, que se divide em três, fica evidente já a sensibilidade extrema do autor: "E agora que despi a minha musa saudosa dos véus do mistério do meu amor e da minha solidão, (...), ó meus amigos, recebei-a no peito e amai-a como o consolo, que foi, de uma alma esperançosa, que depunha fé na poesia e no amor - esses dois raios luminosos do coração de Deus". Nesta e na terceira parte, predominam as referências à religião, às formas femininas, ao sonho, à adolescência, à família e, claro, à morte. Veja-se o exemplo de Adeus, Meus Sonhos!: "Misérrimo! votei meus pobres dias/ À sina doida de um amor sem fruto.../ E minh'alma na treva agora dorme/ Como um olhar que a morte envolve em luto.(...)". Na segunda, tem-se uma mudança de tom. O erotismo e o satanismo inserem-se nos versos desta parte, em cujo prefácio Álvares de Azevedo chama a atenção para dois personagens de Shakespeare, da peça A Tempestade: "Quase que depois de Ariel esbarramos em Caliban". Ariel representa o bem, o equilíbrio; Caliban, o mal. Essa atmosfera está em Idéias Íntimas: "Parece que chorei... Sinto na face/ Uma perdida lágrima rolando.../ Satã leve a tristeza!/ Olá, meu pagem,/ Derrama no meu copo as gotas últimas/ Dessa garrafa negra.../ Eia! bebamos!".
A obra de Álvares de Azevedo tem sido uma fonte rica para a crítica - e até mesmo para a psicanálise. Mario de Andrade chegou a analisá-lo em um ensaio para concluir - por intermédio da obra - que o poeta era homossexual. Limitando-se à avaliação da construção literária desse talentoso autor, em quem Machado de Assis viu um futuro promissor, é certo que Lira dos Vinte Anos sustenta-se como um dos pontos altos do Romantismo brasileiro.
O poeta, participante dos meios acadêmicos de São Paulo, bacharelado em letras aos 16 anos, morreu aos 21, vítima de um acidente ao andar a cavalo. Segundo alguns biógrafos, Álvaro sofreu fisicamente por cinqüenta dias. Escreveu também Poema do Frade, Conde Lopo, Noite na Taverna (contos) e a peça Macário.
Nos anos de 1840 e 1850, a influência do inglês Lord Byron e do francês Alfred de Musset foi decisiva para uma geração de poetas me todo o mundo. Temas como a morte, o tédio da vida, os amores inatingíveis (fruto de devaneios), a melancolia profunda, erotismo e auto-ironia marcam autores que morrem muito cedo. Além do paulista Álvares de Azevedo, Casimiro de Abreu (1839-1860), Junqueira Freire (1832-1855) e Laurindo Rabelo (1826-1864) faziam parte dos ultra-românticos, também conhecidos como poetas do "mal-do-século", do byronismo.
No prefácio da primeira parte de Lira dos Vinte Anos, que se divide em três, fica evidente já a sensibilidade extrema do autor: "E agora que despi a minha musa saudosa dos véus do mistério do meu amor e da minha solidão, (...), ó meus amigos, recebei-a no peito e amai-a como o consolo, que foi, de uma alma esperançosa, que depunha fé na poesia e no amor - esses dois raios luminosos do coração de Deus". Nesta e na terceira parte, predominam as referências à religião, às formas femininas, ao sonho, à adolescência, à família e, claro, à morte. Veja-se o exemplo de Adeus, Meus Sonhos!: "Misérrimo! votei meus pobres dias/ À sina doida de um amor sem fruto.../ E minh'alma na treva agora dorme/ Como um olhar que a morte envolve em luto.(...)". Na segunda, tem-se uma mudança de tom. O erotismo e o satanismo inserem-se nos versos desta parte, em cujo prefácio Álvares de Azevedo chama a atenção para dois personagens de Shakespeare, da peça A Tempestade: "Quase que depois de Ariel esbarramos em Caliban". Ariel representa o bem, o equilíbrio; Caliban, o mal. Essa atmosfera está em Idéias Íntimas: "Parece que chorei... Sinto na face/ Uma perdida lágrima rolando.../ Satã leve a tristeza!/ Olá, meu pagem,/ Derrama no meu copo as gotas últimas/ Dessa garrafa negra.../ Eia! bebamos!".
A obra de Álvares de Azevedo tem sido uma fonte rica para a crítica - e até mesmo para a psicanálise. Mario de Andrade chegou a analisá-lo em um ensaio para concluir - por intermédio da obra - que o poeta era homossexual. Limitando-se à avaliação da construção literária desse talentoso autor, em quem Machado de Assis viu um futuro promissor, é certo que Lira dos Vinte Anos sustenta-se como um dos pontos altos do Romantismo brasileiro.
O poeta, participante dos meios acadêmicos de São Paulo, bacharelado em letras aos 16 anos, morreu aos 21, vítima de um acidente ao andar a cavalo. Segundo alguns biógrafos, Álvaro sofreu fisicamente por cinqüenta dias. Escreveu também Poema do Frade, Conde Lopo, Noite na Taverna (contos) e a peça Macário.
Ilustração de Ariano Suassuna para seu livro
Romance d'A Pedra do Reino e o Príncipe do Sangue
do Vai-e-Volta
A Pedra do Reino, de Ariano Suassuna
Publicado em 1970, A Pedra do Reino continua sendo considerado um
romance completo, pois até hoje as duas outras partes da trilogia não vieram a
público, pelo menos em edições comerciais. Em vista disso, a possibilidade de
análise é um tanto precária, apesar de a obra oferecer, em suas mais de 600
páginas, matéria suficiente não apenas para ensaios como para livros inteiros.
De leitura um pouco árida na primeira centena de páginas, A Pedra do
Reino, mesmo isolada da trilogia de que faz parte, é um verdadeiro monumento
literário que se liga à cultura caboclo-sertaneja nordestina, muito marcada
pelas tradições do mundo ibérico (Portugal e Espanha), trazidas pelos primeiros
colonizadores europeus e transformadas ao longo dos séculos.
Em linhas gerais, A Pedra do Reino é a apresentação do memorial -
obviamente em primeira pessoa - de D. Dinis Ferreira - Quaderna, que, preso em
Taperoá, faz sua própria defesa perante o corregedor e, para tanto, conta a
história de sua família, das desavenças, das lutas e das controvérsias
políticas, literárias e filosóficas em que se vira envolvido. Como diz um
crítico, na obra de Suassuna podem ser percebidas "duas distintas
tradições a informarem a concepção de mundo do herói: a tradição
mítico-sertaneja e a tradição erudita" (J. H. Weber). O que faz, como no
caso de todas as demais obras da nova narrativa, com que A Pedra do Reino se
diferencie claramente do romance brasileiro tradicional.
Romance alegórico sertanejo
A Pedra do Reino de Ariano Suassuna, romance alegórico sertanejo, cujo
cenário transposto para o auto sertão nordestino parece transformasse em um
grande teatro de três personagens. Centrado em Quaderna, o Juiz Corregedor e
Margarida e mais uma importante figura menor: o mouro Clemente e mais de 300
figurantes. A grande força deste Romance "Epopéico" está na narrativa
fantástica que, através de Quaderna, atravessa o mágico sertão pedreguento da
Paraíba de Suassuna, ao forjar sua própria prisão através de uma carta. Com o
pretexto de, com sua detenção, ganhar tempo para escrever seu livro que o
elegeria à condição de gênio da raça moura nordestina. Quaderna sob o foco de
um interrogatório vai tecendo toda a epopéia da trama, mais que mirabolante,
mágica, colorida, cruel, sangrenta e infernal. Num cenário, onde não faltam
figuras exóticas e misteriosas como: As carvalhadas, as onças pintadas, os
calabouços e as degolas.
INTRODUÇÃO
Escrito em plena campanha abolicionista (1875), o livro conta as desventuras de Isaura, escrava branca e educada, de caráter nobre, vítima de um senhor devasso e cruel.
O romance A Escrava Isaura foi um grande sucesso editorial e permitiu que Bernardo Guimarães se tornasse um dos mais populares romancistas de sua época no Brasil. O autor pretende, nesta obra, fazer um libelo anti-escravagista e libertário e, talvez, por isso, o romance exceda em idealização romântica, a fim de conquistar a imaginação popular perante as situações intoleráveis do cativeiro. O estudioso Manuel Cavalcanti Proença observa que:
“Numa literatura não muito abundante em manifestação abolicionistas, é obra de muita importância, pelo modo sentimental como focalizou o problema, atingindo principalmente o público feminino, que encontrava na literatura de ficção derivativo e caminho de fuga, numa sociedade em que a mulher só saía à rua acompanhada e em dias pré-estabelecidos; o mais do tempo ficava retida em casa, sem trabalho obrigatório, bordando, cosendo e ouvindo e falando mexericos, isto é, enredos e intrigas, como se dizia no tempo e ainda se diz neste romance.”
Escrito em plena campanha abolicionista (1875), o livro conta as desventuras de Isaura, escrava branca e educada, de caráter nobre, vítima de um senhor devasso e cruel.
O romance A Escrava Isaura foi um grande sucesso editorial e permitiu que Bernardo Guimarães se tornasse um dos mais populares romancistas de sua época no Brasil. O autor pretende, nesta obra, fazer um libelo anti-escravagista e libertário e, talvez, por isso, o romance exceda em idealização romântica, a fim de conquistar a imaginação popular perante as situações intoleráveis do cativeiro. O estudioso Manuel Cavalcanti Proença observa que:
“Numa literatura não muito abundante em manifestação abolicionistas, é obra de muita importância, pelo modo sentimental como focalizou o problema, atingindo principalmente o público feminino, que encontrava na literatura de ficção derivativo e caminho de fuga, numa sociedade em que a mulher só saía à rua acompanhada e em dias pré-estabelecidos; o mais do tempo ficava retida em casa, sem trabalho obrigatório, bordando, cosendo e ouvindo e falando mexericos, isto é, enredos e intrigas, como se dizia no tempo e ainda se diz neste romance.”
O NASCIMENTO
DO ROMANCE
A publicação
de romances em folhetins - os capítulos aparecendo a cada dia nos jornais - já
era comum no Brasil desde a década de 1830. A maior parte destes folhetins era
composta por traduções de romances de origem inglesa, como as histórias
medievais de Walter Scott, ou francesa, como as aventuras dos Três
Mosqueteiros, de Alexandre Dumas. Emocionados, os brasileiros acompanhavam as
distantes aventuras de um Ivanhoé ou de um D’Artagnan, transportando-se, em
espírito, para os campos e reinos da Europa.
Embora fizessem sucesso junto ao público, os primeiros romances brasileiros, publicados em folhetim, não deixavam de ser considerados, pelos literatos “sérios”, como “uma leitura agradável, diríamos quase um alimento de fácil digestão, proporcionado a estômagos fracos.” O romance, esse gênero literário novo e “fácil”, que foi introduzido na literatura brasileira por autores como Joaquim Manuel de Macedo e Teixeira e Sousa, ganharia status de literatura "séria" com a obra de José de Alencar.
Os primeiros romances brasileiros
Na década de 1840 começam a aparecer alguns folhetins de autores nacionais, ambientados no Brasil. Teixeira e Sousa (1812-1861), considerado por muitos o nosso primeiro romancista, estréia em 1843 com O Filho do Pescador. No ano seguinte, o jovem estudante de medicina, Joaquim Manuel de Macedo (1820-1882), surge com A Moreninha, o primeiro romance nacional “apreciável pela coerência e pela execução”. Em meio à corrente açucarada dos nossos primeiros folhetinistas surge, já em 1852/53, a obra excêntrica de um jornalista carioca de vinte e um anos chamado Manuel Antônio de Almeida (1831-1861). As suas Memórias de um Sargento de Milícias retratam de forma irônica a vida do Rio de Janeiro “no tempo do rei” Dom João VI e apresentam um contraponto cômico à seriedade por vezes excessiva e à inverossimilhança dos romances do Dr. Macedinho.
A descrição do cenário nacional
O público interessava-se, portanto, cada vez mais por um romance de aventuras românticas que apresentasse o cenário brasileiro. O grande sucesso de público de O Guarani (1857), de José de Alencar, em que as aventuras de Peri e sua amada Cecília se desenrolam em meio à exuberante natureza fluminense, estimula os escritores a se voltarem para a apresentação da ambientação tipicamente nacional em suas obras.
Na década de 70 essa tendência nacionalista haveria de se consolidar, com o surgimento das obras de Franklin Távora (1842-1888), autor de O Cabeleira (1876) e o Visconde de Taunay (1843-1899), autor de Inocência (1872). É nesse cenário literário que aparece, em 1875, um dos maiores sucessos de público do período: A Escrava Isaura, que explora uma das questões mais polêmicas da sociedade brasileira da época, a escravidão.
O ENREDO
A história se passa nos “primeiros anos do reinado de D. Pedro II”, inicialmente em uma fazenda em Campos dos Goitacazes (RJ). Isaura, escrava branca e bem-educada, é assediada pelo seu senhor, Leôncio, recém-casado com Malvina. Isaura se recusa a ceder aos apelos de Leôncio, como já fizera, no passado, sua mãe, que, por ter repelido o pai de Leôncio, fora submetida a um tratamento tão cruel que, em pouco tempo, morrera.
Para forçá-la a ceder, Leôncio manda Isaura para a senzala, trabalhar com as outras escravas. Sempre resignada, suporta passivamente o seu destino, porém, não cede a Leôncio, afirmando que ele, como proprietário, era senhor de seu corpo, mas não de seu coração: “ - Não, por certo, meu senhor; o coração é livre; ninguém pode escravizá-lo, nem o próprio dono.” Leôncio, enfurecido, ameaça colocá-la no tronco.
No entanto, seu pai, ex-feitor da fazendo, consegue tirá-la de lá e foge com ela para Recife (PE). Em Recife, Isaura usa o nome de Elvira e vive reclusa numa pequena casa com seu pai. Então, conhece Álvaro, por quem se apaixona e é correspondida. Vai a um baile com ele, onde é desmascarada e reconhecida. Álvaro, ainda que surpreso, não se importa com o fato de ela ser uma escrava e resolve impedir que Leôncio a leve de volta, inclusive tentando comprá-la. Mas não consegue convencer o vilão, e este leva Isaura de volta ao cativeiro na fazenda.
Leôncio está praticamente falido e, com o objetivo de conseguir um empréstimo do pai de Malvina, consegue se reconciliar com a mulher, afirmando que Isaura é quem o assediava. Então, para punir Isaura, Leôncio manda que ela se case com Belchior, jardineiro da fazenda. Entretanto, Álvaro descobre a falência de Leôncio e compra a dívida dos seus credores, tornando-se proprietário de todos os seus bens, inclusive de seus escravos. No dia do casamento de Isaura, antes que se celebrasse a cerimônia, Álvaro aparece e reclama seus direitos a Leôncio. Vendo-se derrotado e na miséria, Leôncio suicida-se. Tudo termina, portanto, com a punição dos culpados e o triunfo dos justos.
Como bem o sintetizou Carlos Alberto Vecchi:
“A estrutura narrativa de A Escrava Isaura segue o modelo folhetinesco das histórias românticas: para atingir seu ideal e obter o reconhecimento de todos, o herói tem que realizar uma jornada perigosa, onde a própria vida é colocada em risco. O Amor, epicentro onde se debatem o Bem e o Mal, torna-se a força motriz que conduz ao restabelecimento do equilíbrio e da felicidade a todos que, em momento algum, se deixaram intimidar pelos desmandos de Leôncio. O Mal extirpado (o suicídio de Leôncio) cede lugar ao Bem. E aqueles que nortearam suas ações pelas virtudes maiores é que estão aptos a receber o prêmio daí decorrente.”
OS PERSONAGENS
A obra apresenta a tríade comum aos romances populares românticos: vilão, heroína e herói. E, graças à ausência de profundidade com que são construídos, os personagens do romance são planos, estáticos e superficiais.
Isaura, a heroína escrava, é branca, pura, virginal, possui um caráter nobre e demonstra “conhecer o seu lugar”: do princípio ao fim, suporta conformada a perseguição de Leôncio, as propostas de Henrique, as desconfianças de Malvina, sem jamais se revoltar. Permanece emocionalmente escrava, mesmo tendo sido educada como uma dama da sociedade. Tem escrúpulos de passar por branca livre, acha-se indigna do amor de Álvaro e termina como a própria imagem da “virtude recompensada”.
Vejamos como Guimarães descreve sua heroína:
“A tez é como o marfim do teclado, alva que não deslumbra, embaçada por uma nuança delicada, que não sabereis dizer se é leve palidez ou cor-de-rosa desmaiada. (…) Na fronte calma e lisa como o mármore polido, a luz do ocaso esbatia um róseo e suave reflexo; di-la-íeis misteriosa lâmpada de alabastro guardando no seio diáfano o fogo celeste da inspiração.”
Leôncio é o vilão leviano, devasso e insensível que, de “criança incorrigível e insubordinada” e adolescente que sangra a carteira do pai com suas aventuras, acaba por tornar-se um homem cruel e inescrupuloso, casando-se com Malvina, linda, ingênua e rica, por ser “um meio mais suave e natural de adquirir fortuna”. Persegue Isaura e se recusa a cumprir a vontade de sua mãe, já falecida, que queria dar a ela a liberdade e alguma renda para viver com dignidade.
Álvaro é um rico herdeiro, cavalheiro nobre e de caráter impecável, que “tinha ódio a todos os privilégios e distinções sociais, e é escusado dizer que era liberal, republicano e quase socialista”; um jovem de idéias igualitárias, idealista e corajoso para lutar contra os valores da sociedade a que pertence. Sua conduta moral é assim descrita pelo autor:
“Original e excêntrico como um rico lorde inglês, professava em seus costumes a pureza e severidade de um quacker. Todavia, como homem de imaginação viva e coração impressionaável, não deixava de amar os prazeres, o luxo, a elegância, e sobretudo as mulheres, mas com certo platonismo delicado, certa pureza ideal, próprios das almas elevadas e dos corações bem formados.”
Apaixonado por Isaura, o grande obstáculo que Álvaro precisa vencer é o fato de ser Isaura propriedade legítima de Leôncio. Para isso, vai à corte, descobre a falência de Leôncio, adquire seus bens e desmascara o vilão. Liberta Isaura e casa-se com ela, desafiando, assim, os preconceitos da sociedade escravocrata.
Nos demais personagens o processo de construção é o mesmo. Miguel, pai de Isaura, foge do conceito tradicional do mau feitor. Quando feitor da fazenda de Leôncio, tratara bem aos escravos e amparara Juliana, mãe de Isaura, nas suas desditas com o pai de Leôncio. Pai extremoso, deseja libertar a filha do jugo da escravidão e não mede esforços para isso.
Martinho é o protótipo do ganancioso: cabeça grande, cara larga, feições grosseiras e “no fundo de seus olhos pardos e pequeninos,… reluz constantemente um raio de velhacaria”. Por querer ganhar muito dinheiro entregando Isaura ao seu senhor, acaba por não ganhar nada. Já Belchior é o símbolo da estupidez submissa e também sua descrição física se presta a demonstrar sua conduta: feio, cabeludo, atarracado e corcunda. O crítico Manuel Cavalcanti Proença aponta “o parentesco entre o disforme e grotesco (de gruta) Belchior, e o Quasímodo de O Corcunda de Notre Dame, de Víctor Hugo, romance de extraordinária voga, ainda não de todo perdida, no Brasil.”
O dr. Geraldo é um advogado conceituado, que serve como fiel da balança para Álvaro, já que procura equilibrar os arroubos do amigo, mostrando-lhe a realidade dos fatos. Quando Álvaro, revoltado com a condição de Isaura e indignado com os horrores da escravidão, dispõe-se a unir-se a ela, mesmo sabendo que escandalizaria a sociedade, Geraldo retruca lucidamente que a fortuna de Álvaro lhe dá independência para “satisfazer os teus sonhos filantrópicos e os caprichos de
tua imaginação romanesca”. O que não é, na verdade, característica restrita apenas à sociedade escravocrata do século XIX.
Concessão ao preconceito?
Este romance já foi considerado, com bastante exagero, uma espécie de A Cabana do Pai Tomás (1851) nacional. Porém, Bernardo Guimarães, ao contrário da romancista americana Harriet Beecher Stowe, detém-se muito pouco na descrição dos sofrimentos provocados pelo regime escravocrata. Ele coloca, na boca de alguns personagens, como Álvaro e seus amigos, estudantes no Recife, algumas frases abolicionistas, mas parece tomar bastante cuidado em não provocar a fúria dos seus leitores conservadores. Está mais preocupado em contar as perseguições do senhor cruel à escrava virtuosa e, assim, conquistar a simpatia do leitor.
Bernardo Guimarães faz questão de ressaltar exaustivamente a beleza branca e pura de Isaura, que não denunciava a sua condição de escrava porque não portava nenhum traço africano, era educada e nada havia nela que “denunciasse a abjeção do escravo”. O que parece uma escolha preconceituosa e contraditória – contar as agruras da escravidão criando uma escrava branca – talvez seja melhor compreeendido se se levar em conta que a maior parte do público que consumia romances na época era composto por mulheres da sociedade, que apreciavam as histórias de amor.
Somem-se a isso o modelo de beleza feminino de então, caracterizado pela pele nívea e maçãs rosadas do rosto e, principalmente, o objetivo do autor de conquistar a solidariedade do leitor pela escrava, mostrando a que ponto extremo poderia chegar o regime escravocrata: “fisicamente, Isaura não é diferente das damas da sociedade, mas, por ser escrava, é obrigada a viver como os de sua classe, como objeto útil nas mãos de seu senhor”, conforme afirma a crítica Maria Nazareth Soares Fonseca.
O autor claramente conseguiu o que queria. A sociedade brasileira do século XIX, que tanto se apiedou das desventuras de Isaura, aceitou-a porque ela era branca e educada. O autor pôde, assim, demonstrar, através do seu sofrimento, o quanto “é vã e ridícula toda a distinção que provém do nascimento e da riqueza”. E é claro, a cor de Isaura serve, como afirma o crítico Antônio Cândido, “para facilitar a ação de Álvaro, compreensivelmente apaixonado e decidido a desposá-la, como fez.”
Se houve influência, portanto, do romance A cabana do Pai Tomás, talvez tenha sido apenas no que o crítico Alfredo Bosi aponta como referência: a cena da fuga de Campos para Recife, “talvez sugerida pela fuga de Elisa através dos gelos flutuantes de Ohio para a liberdade no Norte e por fim no Canadá”. Entretanto, o fato é que, como aponta o crítico, só depois do lançamento de A cabana do Pai Tomás “a literatura brasileira começou a ser povoada de feitores cruéis e de escravos virtuosos”.
A LINGUAGEM
O tratamento exageradamente romântico que o autor aplica neste livro faz com que ele tenha um caráter mais de lenda do que de realidade, ao contrário de seus outros romances, como O Ermitão de Muquém (1864), O Seminarista (1872) e O Garimpeiro (1872), em que a descrição regionalista do ambiente físico e social proporciona mais verossimilhança à trama.
Em A Escrava Isaura, o excesso de imaginação se traduz em “idealização descabida”, como afirma Antonio Candido, que se concretiza no plano da linguagem em descrições repetitivas e mecânicas dos personagens, com abuso de adjetivos redundantes.
Observe-se a descrição de Isaura quando senta-se ao piano no salão de baile no Recife:
Embora fizessem sucesso junto ao público, os primeiros romances brasileiros, publicados em folhetim, não deixavam de ser considerados, pelos literatos “sérios”, como “uma leitura agradável, diríamos quase um alimento de fácil digestão, proporcionado a estômagos fracos.” O romance, esse gênero literário novo e “fácil”, que foi introduzido na literatura brasileira por autores como Joaquim Manuel de Macedo e Teixeira e Sousa, ganharia status de literatura "séria" com a obra de José de Alencar.
Os primeiros romances brasileiros
Na década de 1840 começam a aparecer alguns folhetins de autores nacionais, ambientados no Brasil. Teixeira e Sousa (1812-1861), considerado por muitos o nosso primeiro romancista, estréia em 1843 com O Filho do Pescador. No ano seguinte, o jovem estudante de medicina, Joaquim Manuel de Macedo (1820-1882), surge com A Moreninha, o primeiro romance nacional “apreciável pela coerência e pela execução”. Em meio à corrente açucarada dos nossos primeiros folhetinistas surge, já em 1852/53, a obra excêntrica de um jornalista carioca de vinte e um anos chamado Manuel Antônio de Almeida (1831-1861). As suas Memórias de um Sargento de Milícias retratam de forma irônica a vida do Rio de Janeiro “no tempo do rei” Dom João VI e apresentam um contraponto cômico à seriedade por vezes excessiva e à inverossimilhança dos romances do Dr. Macedinho.
A descrição do cenário nacional
O público interessava-se, portanto, cada vez mais por um romance de aventuras românticas que apresentasse o cenário brasileiro. O grande sucesso de público de O Guarani (1857), de José de Alencar, em que as aventuras de Peri e sua amada Cecília se desenrolam em meio à exuberante natureza fluminense, estimula os escritores a se voltarem para a apresentação da ambientação tipicamente nacional em suas obras.
Na década de 70 essa tendência nacionalista haveria de se consolidar, com o surgimento das obras de Franklin Távora (1842-1888), autor de O Cabeleira (1876) e o Visconde de Taunay (1843-1899), autor de Inocência (1872). É nesse cenário literário que aparece, em 1875, um dos maiores sucessos de público do período: A Escrava Isaura, que explora uma das questões mais polêmicas da sociedade brasileira da época, a escravidão.
O ENREDO
A história se passa nos “primeiros anos do reinado de D. Pedro II”, inicialmente em uma fazenda em Campos dos Goitacazes (RJ). Isaura, escrava branca e bem-educada, é assediada pelo seu senhor, Leôncio, recém-casado com Malvina. Isaura se recusa a ceder aos apelos de Leôncio, como já fizera, no passado, sua mãe, que, por ter repelido o pai de Leôncio, fora submetida a um tratamento tão cruel que, em pouco tempo, morrera.
Para forçá-la a ceder, Leôncio manda Isaura para a senzala, trabalhar com as outras escravas. Sempre resignada, suporta passivamente o seu destino, porém, não cede a Leôncio, afirmando que ele, como proprietário, era senhor de seu corpo, mas não de seu coração: “ - Não, por certo, meu senhor; o coração é livre; ninguém pode escravizá-lo, nem o próprio dono.” Leôncio, enfurecido, ameaça colocá-la no tronco.
No entanto, seu pai, ex-feitor da fazendo, consegue tirá-la de lá e foge com ela para Recife (PE). Em Recife, Isaura usa o nome de Elvira e vive reclusa numa pequena casa com seu pai. Então, conhece Álvaro, por quem se apaixona e é correspondida. Vai a um baile com ele, onde é desmascarada e reconhecida. Álvaro, ainda que surpreso, não se importa com o fato de ela ser uma escrava e resolve impedir que Leôncio a leve de volta, inclusive tentando comprá-la. Mas não consegue convencer o vilão, e este leva Isaura de volta ao cativeiro na fazenda.
Leôncio está praticamente falido e, com o objetivo de conseguir um empréstimo do pai de Malvina, consegue se reconciliar com a mulher, afirmando que Isaura é quem o assediava. Então, para punir Isaura, Leôncio manda que ela se case com Belchior, jardineiro da fazenda. Entretanto, Álvaro descobre a falência de Leôncio e compra a dívida dos seus credores, tornando-se proprietário de todos os seus bens, inclusive de seus escravos. No dia do casamento de Isaura, antes que se celebrasse a cerimônia, Álvaro aparece e reclama seus direitos a Leôncio. Vendo-se derrotado e na miséria, Leôncio suicida-se. Tudo termina, portanto, com a punição dos culpados e o triunfo dos justos.
Como bem o sintetizou Carlos Alberto Vecchi:
“A estrutura narrativa de A Escrava Isaura segue o modelo folhetinesco das histórias românticas: para atingir seu ideal e obter o reconhecimento de todos, o herói tem que realizar uma jornada perigosa, onde a própria vida é colocada em risco. O Amor, epicentro onde se debatem o Bem e o Mal, torna-se a força motriz que conduz ao restabelecimento do equilíbrio e da felicidade a todos que, em momento algum, se deixaram intimidar pelos desmandos de Leôncio. O Mal extirpado (o suicídio de Leôncio) cede lugar ao Bem. E aqueles que nortearam suas ações pelas virtudes maiores é que estão aptos a receber o prêmio daí decorrente.”
OS PERSONAGENS
A obra apresenta a tríade comum aos romances populares românticos: vilão, heroína e herói. E, graças à ausência de profundidade com que são construídos, os personagens do romance são planos, estáticos e superficiais.
Isaura, a heroína escrava, é branca, pura, virginal, possui um caráter nobre e demonstra “conhecer o seu lugar”: do princípio ao fim, suporta conformada a perseguição de Leôncio, as propostas de Henrique, as desconfianças de Malvina, sem jamais se revoltar. Permanece emocionalmente escrava, mesmo tendo sido educada como uma dama da sociedade. Tem escrúpulos de passar por branca livre, acha-se indigna do amor de Álvaro e termina como a própria imagem da “virtude recompensada”.
Vejamos como Guimarães descreve sua heroína:
“A tez é como o marfim do teclado, alva que não deslumbra, embaçada por uma nuança delicada, que não sabereis dizer se é leve palidez ou cor-de-rosa desmaiada. (…) Na fronte calma e lisa como o mármore polido, a luz do ocaso esbatia um róseo e suave reflexo; di-la-íeis misteriosa lâmpada de alabastro guardando no seio diáfano o fogo celeste da inspiração.”
Leôncio é o vilão leviano, devasso e insensível que, de “criança incorrigível e insubordinada” e adolescente que sangra a carteira do pai com suas aventuras, acaba por tornar-se um homem cruel e inescrupuloso, casando-se com Malvina, linda, ingênua e rica, por ser “um meio mais suave e natural de adquirir fortuna”. Persegue Isaura e se recusa a cumprir a vontade de sua mãe, já falecida, que queria dar a ela a liberdade e alguma renda para viver com dignidade.
Álvaro é um rico herdeiro, cavalheiro nobre e de caráter impecável, que “tinha ódio a todos os privilégios e distinções sociais, e é escusado dizer que era liberal, republicano e quase socialista”; um jovem de idéias igualitárias, idealista e corajoso para lutar contra os valores da sociedade a que pertence. Sua conduta moral é assim descrita pelo autor:
“Original e excêntrico como um rico lorde inglês, professava em seus costumes a pureza e severidade de um quacker. Todavia, como homem de imaginação viva e coração impressionaável, não deixava de amar os prazeres, o luxo, a elegância, e sobretudo as mulheres, mas com certo platonismo delicado, certa pureza ideal, próprios das almas elevadas e dos corações bem formados.”
Apaixonado por Isaura, o grande obstáculo que Álvaro precisa vencer é o fato de ser Isaura propriedade legítima de Leôncio. Para isso, vai à corte, descobre a falência de Leôncio, adquire seus bens e desmascara o vilão. Liberta Isaura e casa-se com ela, desafiando, assim, os preconceitos da sociedade escravocrata.
Nos demais personagens o processo de construção é o mesmo. Miguel, pai de Isaura, foge do conceito tradicional do mau feitor. Quando feitor da fazenda de Leôncio, tratara bem aos escravos e amparara Juliana, mãe de Isaura, nas suas desditas com o pai de Leôncio. Pai extremoso, deseja libertar a filha do jugo da escravidão e não mede esforços para isso.
Martinho é o protótipo do ganancioso: cabeça grande, cara larga, feições grosseiras e “no fundo de seus olhos pardos e pequeninos,… reluz constantemente um raio de velhacaria”. Por querer ganhar muito dinheiro entregando Isaura ao seu senhor, acaba por não ganhar nada. Já Belchior é o símbolo da estupidez submissa e também sua descrição física se presta a demonstrar sua conduta: feio, cabeludo, atarracado e corcunda. O crítico Manuel Cavalcanti Proença aponta “o parentesco entre o disforme e grotesco (de gruta) Belchior, e o Quasímodo de O Corcunda de Notre Dame, de Víctor Hugo, romance de extraordinária voga, ainda não de todo perdida, no Brasil.”
O dr. Geraldo é um advogado conceituado, que serve como fiel da balança para Álvaro, já que procura equilibrar os arroubos do amigo, mostrando-lhe a realidade dos fatos. Quando Álvaro, revoltado com a condição de Isaura e indignado com os horrores da escravidão, dispõe-se a unir-se a ela, mesmo sabendo que escandalizaria a sociedade, Geraldo retruca lucidamente que a fortuna de Álvaro lhe dá independência para “satisfazer os teus sonhos filantrópicos e os caprichos de
tua imaginação romanesca”. O que não é, na verdade, característica restrita apenas à sociedade escravocrata do século XIX.
Concessão ao preconceito?
Este romance já foi considerado, com bastante exagero, uma espécie de A Cabana do Pai Tomás (1851) nacional. Porém, Bernardo Guimarães, ao contrário da romancista americana Harriet Beecher Stowe, detém-se muito pouco na descrição dos sofrimentos provocados pelo regime escravocrata. Ele coloca, na boca de alguns personagens, como Álvaro e seus amigos, estudantes no Recife, algumas frases abolicionistas, mas parece tomar bastante cuidado em não provocar a fúria dos seus leitores conservadores. Está mais preocupado em contar as perseguições do senhor cruel à escrava virtuosa e, assim, conquistar a simpatia do leitor.
Bernardo Guimarães faz questão de ressaltar exaustivamente a beleza branca e pura de Isaura, que não denunciava a sua condição de escrava porque não portava nenhum traço africano, era educada e nada havia nela que “denunciasse a abjeção do escravo”. O que parece uma escolha preconceituosa e contraditória – contar as agruras da escravidão criando uma escrava branca – talvez seja melhor compreeendido se se levar em conta que a maior parte do público que consumia romances na época era composto por mulheres da sociedade, que apreciavam as histórias de amor.
Somem-se a isso o modelo de beleza feminino de então, caracterizado pela pele nívea e maçãs rosadas do rosto e, principalmente, o objetivo do autor de conquistar a solidariedade do leitor pela escrava, mostrando a que ponto extremo poderia chegar o regime escravocrata: “fisicamente, Isaura não é diferente das damas da sociedade, mas, por ser escrava, é obrigada a viver como os de sua classe, como objeto útil nas mãos de seu senhor”, conforme afirma a crítica Maria Nazareth Soares Fonseca.
O autor claramente conseguiu o que queria. A sociedade brasileira do século XIX, que tanto se apiedou das desventuras de Isaura, aceitou-a porque ela era branca e educada. O autor pôde, assim, demonstrar, através do seu sofrimento, o quanto “é vã e ridícula toda a distinção que provém do nascimento e da riqueza”. E é claro, a cor de Isaura serve, como afirma o crítico Antônio Cândido, “para facilitar a ação de Álvaro, compreensivelmente apaixonado e decidido a desposá-la, como fez.”
Se houve influência, portanto, do romance A cabana do Pai Tomás, talvez tenha sido apenas no que o crítico Alfredo Bosi aponta como referência: a cena da fuga de Campos para Recife, “talvez sugerida pela fuga de Elisa através dos gelos flutuantes de Ohio para a liberdade no Norte e por fim no Canadá”. Entretanto, o fato é que, como aponta o crítico, só depois do lançamento de A cabana do Pai Tomás “a literatura brasileira começou a ser povoada de feitores cruéis e de escravos virtuosos”.
A LINGUAGEM
O tratamento exageradamente romântico que o autor aplica neste livro faz com que ele tenha um caráter mais de lenda do que de realidade, ao contrário de seus outros romances, como O Ermitão de Muquém (1864), O Seminarista (1872) e O Garimpeiro (1872), em que a descrição regionalista do ambiente físico e social proporciona mais verossimilhança à trama.
Em A Escrava Isaura, o excesso de imaginação se traduz em “idealização descabida”, como afirma Antonio Candido, que se concretiza no plano da linguagem em descrições repetitivas e mecânicas dos personagens, com abuso de adjetivos redundantes.
Observe-se a descrição de Isaura quando senta-se ao piano no salão de baile no Recife:
“A
fisionomia, cuja expressão habitual era toda modéstia, ingenuidade e candura,
animou-se de luz insólita; o busto admiravelmente cinzelado ergueu-se altaneiro
e majestoso; os olhos extáticos alçavam-se cheios de esplendor e serenidade; os
seios, que até ali apenas arfavam como as ondas de um lago em tranqüila noite
de luar, começaram de ofegar, túrgidos e agitados, como oceano encapelado; seu
colo distendeu-se alvo e esbelto como o do cisne, que se apresta a desprender
os divinais gorgeios. Era o sopro da inspiração artística, que, roçando-lhe
pela fronte, a transformava em sacerdotisa do belo, em intérprete inspirada das
harmonias do céu.”
O AMOR E A DONZELA INEXPUGNÁVEL
“Os motivos que compõem romance”, segundo Cavalcanti Proença, “são filiados nos velhos e perenes topos” – ou temas – “da literatura popular. O amor à primeira vista é um deles. Ver e amar é um verbo só. E isso porque a narrativa não é a história de um amor, mas dos sofrimentos do amor. (…) Para isso se entretecem os conflitos de escrava que não tem direito de amar, os do homem casado que não deve trair a esposa. (Amor verdadeiro só o primeiro.)”
Entre esses temas, há um que remonta à literatura medieval e que domina a narrativa como um todo, a partir da descrição de Isaura como pura e virtuosa, lutando contra a luxúria do seu senhor. É o da donzela inexpugnável, que defende sua pureza com todas as forças de que dispõe, preferindo arriscar-se à morte na fuga a se entregar sexualmente.
Entre os precursores da literatura folhetinesca está o romancista e tipógrafo inglês Samuel Richardson (1689-1761). A sua novela Pamela, ou a Virtude Recompensada, publicada em 1741, certamente é uma das fontes de inspiração mais contundentes para a composição do romance de Bernardo Guimarães. Nessa obra, Richardson narra as desventuras de Pamela Andrews, filha de camponeses que é educada por uma senhora nobre que, ao morrer, a entrega aos cuidados de seu filho, o Conde de Belfart. Esse jovem inescrupuloso atenta contra a virtude de Pamela, assediando-lhe com ameaças vis e acaba por entregar-lhe a uma vulgar alcoviteira. Mas Pamela, como Isaura, consegue defender-se, mantendo intacta a sua honra. Acaba por comover com suas lágrimas abundantes o Conde de Belfart que, arrependido, termina se casando com a heroína.
Bernardo Guimarães acrescenta à trama romanesca inventada por Richardson a figura do cavalheiro salvador Álvaro e a temática bem brasileira da escravidão.
Também Castro Alves, o maior dos nossos escritores abolicionistas, refere-se à defesa da virtude das escravas, em poemas como Súplica, do livro Os Escravos (1883):
O AMOR E A DONZELA INEXPUGNÁVEL
“Os motivos que compõem romance”, segundo Cavalcanti Proença, “são filiados nos velhos e perenes topos” – ou temas – “da literatura popular. O amor à primeira vista é um deles. Ver e amar é um verbo só. E isso porque a narrativa não é a história de um amor, mas dos sofrimentos do amor. (…) Para isso se entretecem os conflitos de escrava que não tem direito de amar, os do homem casado que não deve trair a esposa. (Amor verdadeiro só o primeiro.)”
Entre esses temas, há um que remonta à literatura medieval e que domina a narrativa como um todo, a partir da descrição de Isaura como pura e virtuosa, lutando contra a luxúria do seu senhor. É o da donzela inexpugnável, que defende sua pureza com todas as forças de que dispõe, preferindo arriscar-se à morte na fuga a se entregar sexualmente.
Entre os precursores da literatura folhetinesca está o romancista e tipógrafo inglês Samuel Richardson (1689-1761). A sua novela Pamela, ou a Virtude Recompensada, publicada em 1741, certamente é uma das fontes de inspiração mais contundentes para a composição do romance de Bernardo Guimarães. Nessa obra, Richardson narra as desventuras de Pamela Andrews, filha de camponeses que é educada por uma senhora nobre que, ao morrer, a entrega aos cuidados de seu filho, o Conde de Belfart. Esse jovem inescrupuloso atenta contra a virtude de Pamela, assediando-lhe com ameaças vis e acaba por entregar-lhe a uma vulgar alcoviteira. Mas Pamela, como Isaura, consegue defender-se, mantendo intacta a sua honra. Acaba por comover com suas lágrimas abundantes o Conde de Belfart que, arrependido, termina se casando com a heroína.
Bernardo Guimarães acrescenta à trama romanesca inventada por Richardson a figura do cavalheiro salvador Álvaro e a temática bem brasileira da escravidão.
Também Castro Alves, o maior dos nossos escritores abolicionistas, refere-se à defesa da virtude das escravas, em poemas como Súplica, do livro Os Escravos (1883):
“Que a donzela não manche em leito impuro
A grinalda do amor.
Que a honra não se compre ao carniceiro
Que se chama senhor.”
O Pagador de Promessas - Dias Gomes - resumo
Encenada pela primeira vez a 29 de julho de 1960,
no Teatro Brasileiro de Comédia (São Paulo), essa peça marca o início da
segunda fase do teatro de Dias Gomes e sua consagração como um dos mais
destacados dramaturgos contemporâneos do Brasil. Considerada por Anatol
Rosenfeld como uma tragédia, no sentido clássico do termo, O Pagador de
Promessas, segundo o próprio Dias Gomes, “é a história de um homem que não quis
conceder - e foi destruído”.
Trata-se de um texto escrito para teatro, ou seja,
para ser levado ao palco, ser encenado. A peça é dividida em três atos, sendo
que os dois primeiros ainda são subdivididos em dois quadros cada um. Após a
apresentação dos personagens, o primeiro ato mostra a chegada do protagonista
Zé do Burro e sua mulher Rosa, vindos do interior, a uma igreja de Salvador e
termina com a negativa do padre em permitir o cumprimento da promessa feita. O
segundo ato traz o aparecimento de diversos novos personagens, todos envolvidos
na questão do cumprimento ou não da promessa e vai até uma nova negativa do
padre, o que ocasiona, desta vez, explosão colérica em Zé do Burro. O terceiro
ato é onde as ações recrudescem, as incompreensões vão ao limite e se verifica
o dramático desfecho.
Primeiro ato. Primeiro quadro.
Primeiro ato. Primeiro quadro.
A ação da peça tem início nas primeiras horas da
manhã (4 e meia), numa praça, em frente a uma igreja, em Salvador. O personagem
denominado Zé do Burro carrega uma cruz e se aloja na frente da igreja. A seu
lado Rosa, sua mulher, apresentada como tendo "sangue quente" e
insatisfação sexual. Zé espera a igreja abrir para cumprir sua promessa, feita
a Santa Bárbara. Aparecem no lugar, algum tempo depois, Marli e Bonitão: ela
prostituta; ele, gigolô. Há uma clara relação de exploração e dependência entre
eles. Encontrando Zé, Bonitão dirige-se a ele e percebe ser alguém ingênuo.
Rosa, por sua vez, conversando com o gigolô, queixa-se de Zé, contando que ele,
na sua promessa, dividiu suas terras com lavradores pobres. Percebendo a
ingenuidade, Bonitão propõe-se a providenciar um local para Rosa descansar. Zé
não só aceita, como incentiva. Saem os dois, Bonitão e Rosa, de cena.
Segundo quadro.
Aos poucos, começa o movimento ao redor da praça.
Aparecem a Beata, o sacristão e o Padre Olavo, titular da igreja. Zé explica a
promessa: Nicolau foi ferido com a queda de uma árvore; estando para morrer, Zé
fez a promessa. O burro - Nicolau é um burro! - salva-se. Ingenuamente, Zé
revela ter usado as rezas de Preto Zeferino e feito a promessa num terreiro de
candomblé, a Iansã, equivalente afro de Santa Bárbara. O padre fica
escandalizado. Estabelece-se o conflito. O sincretismo Iansã - Santa Bárbara,
natural para Zé do burro, é um grandioso pecado para o padre. A situação
agrava-se com a revelação da divisão de terras. Impasse. O padre manda fechar a
igreja e proíbe o cumprimento da promessa. Zé do burro fica atônico.
Segundo ato. Primeiro quadro.
Duas horas mais tarde, já a movimentação no lugar é
intensa. O Galego, dono do bar, abriu seu estabelecimento. Surgem Minha Tia,
vendedora de acarajés, carurus e outras comidas típicas, Dedé Cospe-Rima, poeta
popular, ao estilo repentista e o Guarda. Zé do burro quer cumprir a promessa.
O Guarda tenta intervir. Rosa reaparece com "ar culpado". Chega o
Repórter. Seguindo a linha do oportunismo sensacionalista, o repórter quer
tirar vantagens da história de Zé do Burro. Quer torná-lo um mártir, para virar
notícia. Enquanto isso descobre-se que Rosa transou com Bonitão. Marli faz um
pequeno escândalo, denunciando a história Rosa-Bonitão.
Segundo quadro.
Três da tarde, Dedé oferece poemas para Zé, a fim
de derrotar o Padre. Aparecem, em momentos subseqüentes, o capoeirista Mestre
Coca e o policial, o Secreta, chamado por Bonitão, ficando ambos, por enquanto,
nas cercanias. Zé começa a perder a paciência e arma uma gritaria. O padre
reage. Chega o Monsenhor, autoridade da igreja, propondo a Zé uma solução: ele,
Monsenhor, na qualidade de representante da Igreja, pode liberar Zé da
promessa, dando-a por cumprida. Zé não aceita, dizendo que promessa foi feita à
Santa e só ela poderia liberá-lo. Segue o impasse. Zé explode novamente e
avança com a cruz sobre a Igreja. O padre fecha a porta. Zé, já desesperado,
bate com a cruz na porta. O drama é total.
Terceiro ato.
Terceiro ato.
Entardecer. Muita gente na praça e nos arredores da
Igreja. Há uma roda de capoeira. O Galego, oportunista, oferece comida grátis a
Zé, pois a história está trazendo movimento ao seu bar. O Secreta, no bar,
avisa que a polícia prenderá Zé, ameaçando os capoeiristas, caso eles
interfiram. Marli volta. Ofende Rosa, ofende Zé. O protagonista parece mudar de
atitude. Resolve ir embora "à noite". Rosa quer ir embora já. Conta
que Bonitão avisou a polícia. Retorna o repórter, que tenta montar um
verdadeiro circo em torno do Zé, com o objetivo de vender o jornal. Chega
Bonitão e convida Rosa para ir com ele. Zé pede a ela para ficar. Rosa hesita,
a princípio, mas, em seguida, vai com Bonitão. Mestre Coca avisa Zé sobre a
chegada da polícia. Zé está perplexo: "Santa Bárbara me abandonou".
Da igreja saem o Sacristão, o Guarda, o Padre e o Delegado. Tensão da cena
acentua-se. Zé ainda tenta, ingênua e inutilmente, explicar alguma coisa. Ao
ser cercado, puxa uma faca. As autoridades reagem. Os capoeiristas também.
Briga e confusão. De repente, um tiro espalha gente para todos os lados. Zé é
mortalmente ferido. Mestre Coca olha para os companheiros, que entendem a
mensagem. Os capoeiristas tomam o corpo do Zé colocam-no sobre a cruz e,
ignorando padre e polícia entram na igreja, carregando a cruz.
A peça de Dias Gomes tem nítidos propósitos de
evidenciar certas questões socio-culturais da vida brasileira, em detrimento do
aprofundamento psicológico de seus personagens. Assim, ganha força no drama a
visão crítica quanto:
a) à intolerância da Igreja católica, personificada
no autoritarismo do Padre Olavo, e na insensibilidade do Monsenhor convocado a
resolver o problema;
b) à incapacidade das autoridades que representam o
Estado - no episódio, a polícia - de lidar com questões multiculturais,
transformando um caso de diferença cultural em um caso policial;
c) à voracidade inescrupulosa da imprensa,
simbolizada no Repórter, um perfeito mau-caráter, completamente desinteressado
no drama do protagonista, mas muito interessado na repercussão que a história pode
ter;
d) ao grande fosso que separa, ainda, o Brasil
urbano do Brasil rural: Zé do Burro não consegue compreender por que lhe tentam
impedir de cumprir sua promessa; os padres, a polícia, a imprensa não conseguem
compreender quem é Zé do Burro, sua origem ingênua, com outros códigos
culturais, outras posturas. Além disso, a peça mostra as variadas facetas
populares: o gigolô esperto, a vendedora de quitutes, o poeta improvisador, os
capoeiristas. O final simbólico aponta em duas direções. Em primeiro lugar a
morte do Zé do Burro mostra-se com fim inevitável para o choque cultural
violento que se opera na peça: ninguém, entre as autoridades da cidade grande,
é capaz de assimilar o sincretismo religioso tão característico de grandes
camadas sociais no Brasil, especialmente no interior nordestino. Em segundo
lugar, a entrada dos capoeiristas na igreja, carregando a cruz com o corpo,
sinaliza para rechaçar a inutilidade daquela morte: os populares compreenderam
o gesto de Zé do Burro.
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